Dentro de los distintos movimientos culturales de los que ha sido testigo el cine, el expresionismo alemán es uno que aportó e innovó bastante al arte cinematográfico. Por ello, es un tema bastante estudiado por estudiantes de cine y cineastas alrededor del mundo.
¿De qué se trataba el expresionismo alemán?
Básicamente esta corriente fue una reacción al trabajo impresionista. Se buscaba que todos los tipos de artistas crearan un arte mucho más personal e intuitivo y así hacer una réplica a la representación pura de la realidad, o sea: el impresionismo. Esto resultó en trabajos que deformaban la realidad para dar protagonismos a los sentimientos de los creadores.
Este influyó campos como la arquitectura, literatura, las artes plásticas, la danza y, por supuesto, el cine. Así que, si eres una persona cinéfila, deberías saber que, al originarse a principios del siglo XX, el expresionismo fue parte de películas importantísimas que establecieron bases y fundamentos para el cine que ves hoy en día.
Las historias de este cine eran inquietantes; la estética manejada en los sets y escenografías era bastante retorcida, dramática y deformativa de la realidad. En resumen, las películas alemanas expresionistas presentaban atmósferas terroríficas con personajes que lidiaban y exploraban temas complejos como la naturaleza del ser humano y la maldad.
Con la introducción del cine sonoro a finales de la década de los 20’s, el cine alemán buscó otros objetivos, y lo que se planteaba el expresionismo se fue perdiendo y evolucionando hasta convertirse en filmes de carácter más comercial de acuerdo al contexto de aquel momento en Alemania. No obstante, el legado cinematográfico de este movimiento es inigualable, y lo puedes descubrir viendo algunos grandes ejemplos de Expresionismo alemán en el cine como los que te dejamos aquí:
El gabinete del doctor Caligari
Año: 1920.
Director: Robert Wiene.
El gabinete del doctor Caligari es posiblemente la película más reconocida del expresionismo alemán, ya que se le atribuye el haber iniciado con este movimiento en el cine. La historia relata las hazañas del Dr. Caligari, un hipnotista loco que utiliza al sonámbulo Cesare para cometer asesinatos a su voluntad.
La cinta está llena de visuales propios del expresionismo alemán: formas puntiagudas, ángulos poco convencionales, y un estilo oscuro y sumamente retorcido. Además, los temas tocados en Caligari reflejan la brutalidad de la autoridad alemana de la época, e inclusive algunos leen una premonición del partido Nazi que ganaría poder años más tarde.
The Golem: How We Came into the World
Año: 1920.
Director: Paul Wegener, Carl Boese.
Basada en la novela “El Golem”, del escritor austriaco Gustav Meyrink, este filme, ambientado en el siglo XVI, narra la historia de un rabino judío que crea un Golem a partir de una figura de barro, gracias a brujería. El objetivo de la criatura es proteger a los judíos de Praga del ataque del Imperio Romano.
Paul Wegener no solo interpreta al Golem en esta película, también dirigió otras dos películas con este personaje como protagonista de sus historias: The Golem (1915) y The Golem and the Dancing Girl (1917), que desafortunadamente están parcialmente y completamente perdidas. Una trilogía precursora del estilo expresionista en el cine y del género de horror.
Nosferatu
Año: 1922.
Director: F.W. Murnau.
Todos conocemos a Drácula, ¿cierto? Y si no, al menos tenemos noción sobre qué es un vampiro. En 1922, F.W. Murnau lanzó Nosferatu, una adaptación no autorizada de la célebre novela Drácula, del escritor Bram Stroker.
Una característica muy peculiar de esta película es el uso de locaciones reales para filmar la mayoría de sus escenas, algo un tanto discrepante si consideramos que el resto del cine del expresionismo alemán se valía de sets y estudios decorados para darle vida a aquellos mundos fuera de la realidad. No obstante, el uso de lugares reales hace que el monstruo de Nosferatu se sienta más cercano y tangible, llevándonos como espectadores a la pesadilla de la película.
The Hands of Orlac
Año: 1924.
Director: Robert Wiene.
Un pianista llamado Paul Orlac sufre un accidente de tren y pierde ambas manos. Ante la insistencia de su esposa, un cirujano accede a realizarle un transplante de manos; sin embargo, este nuevo par pertenecía a Vasseur, un asesino que acaba de ser ejecutado. Al descubrir la historia de su donante, la vida de Orlac se desploma, pues cree que sucumbirá a la sed de violencia del asesino cuyas manos tiene atadas a su cuerpo.
Rober Wiene (El gabinete del doctor Caligari) ya había hecho carrera como director del expresionismo alemán. Con esta película optó por utilizar ciertos elementos expresionistas combinados con espacios y locaciones más naturalistas.
Metrópolis
Año: 1927.
Director: Fritz Lang.
Fritz Lang es considerado como uno de los cineastas más importantes en la historia del cine. Hizo carrera en Hollywood con el cine negro, pero en sus inicios contribuyó a este movimiento cinematográfico alemán con diferentes películas.
Metrópolis es una de ellas, y quizá sea también la película muda alemana más reconocida en la actualidad. La historia narra la opresión que vive la clase obrera en una megalópolis del siglo XXI, donde este grupo vive aislado en los subterráneos de la ciudad, con la imposibilidad de salir al mundo exterior, el mundo de la clase alta. Lang utiliza una estética que combina elementos expresionistas con góticos que, aunado a la trama del filme, resulta en una crítica al desequilibrio social en Alemania.
Hoy en día, el expresionismo continúa siendo una importante área de estudio para historiadores y personas interesadas en el séptimo arte. El giro que este movimiento cultural causó en la producción de películas es un momento histórico, por lo que debe seguir siendo estudiado por las y los nuevos estudiantes de cine que van a revolucionar las formas de hacer cine.
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